El cubismo

Se trata de un movimiento artístico, surgido en París hacia 1906-1907, que reduce la naturaleza a las formas geométricas que el artista considera básicas o más reveladoras.

El cubismo es una de las tendencias artísticas más provocadoras y relevantes de la historia del arte occidental desde el Renacimiento. El fin de las convenciones espaciales renacentistas y la creación de una nueva forma de concebir el cuadro y el espacio marcaron un antes y un después en la historia del arte: el origen del arte moderno.

P. Cézanne

El cubismo se inspiró en la obra de P. Cézanne, quien sostenía que todo en la naturaleza podría ser reducido a formas geométricas; en los postimpresionistas y en el estudio del arte negro. Su fin era captar la esencia de los objetos, segregados de su realidad temporal, y crear un arte nuevo, dirigido a la razón, sin atracción de las impresiones físicas. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos.

Los cubistas no encuadran en sus obras los nuevos objetos de la civilización técnica: automóviles, trenes o máquinas; sino que conservan la unión con los modelos arraigados: jarrones, vasos, figuras humanas o instrumentos musicales. En una fase posterior se incorporarán letras, trozos de papeles pegados o “papier collés”, etc.

Entre los artistas vinculados al cubismo figuran:

Braque	A. Archipenko
Picasso	C. Brancusi
Juan Gris	H. Laurens
Fernand Léger	J. Lipchitz
A. Lhote	J. Villon
R. de La Fresnaye	Otros componentes del grupo Der Blaue Reiter y de los movimientos futurista y constructivista y, como importantes representantes técnicos Guillaume Apollinaire y los pintores Albert Gleizes y Jean Metzinger.
M. Duchamp
R. Duchamp-Villon

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881-Mougins, 1973)

Picasso

Los primeros maestros de Pablo Ruiz Picasso fueron Muñoz Degrain y José Ruiz Blaco, su propio padre. A los cinco años, Picasso pintó su primer cuadro, El picador, y durante su estancia en La Coruña, donde se trasladó a vivir en 1891 con su familia, pintó ya algunos lienzos, como La pareja de viejos. En 1895, su familia volvió a trasladarse, esta vez a Barcelona, donde Picasso estuvo durante dos años estudiando dibujo y pintura en la Escuela Provincial de Bellas Artes. De esta época datan los cuadros Primera Comunión y Ciencia y Caridad. Arraigado ya a la vida artística de Cataluña, formó parte del círculo modernista de la cervecería Els Quatre Gats y en 1900 realizó una exposición. Varios viajes a París le pusieron en contacto con la pintura “fin de siècle” y le supusieron una exposición en la galería Vollard. En los cuadros de esos años se entrelazan las influencias de Nonell y de Touluse-Lautrec.

Primera Comunión-Picasso

En 1904 fijó su residencia en París, correspondiendo a ese período el comienzo de su “época azul”, en la que sus temas favoritos son los arlequines, los saltimbanquis, los mendigos y las maternidades. El dibujo de esta etapa es severo, y los elementos del cuadro se reducen a los más imprescindibles; es una pintura desnuda, como sus personajes. Todo ello nos muestra el pesimismo y la tristeza del autor. Los mismos temas, con diferente tratamiento cromático y con una tendencia a redondear las formas que auguran un cambio positivo en el ánimo del artista, son los de la subsiguiente “época rosa” (1905), la que durante una estancia en Gósol, en el Pirineo leridano, evolucionó hacia un geometrización de formas y volúmenes que culminó en 1907 con Les demoiselles d’Avignon, donde la influencia teórica de Cézanne se junta con la atención a la escultura ibérica, a la pintura románica y a las máscaras africanas.

Les demoiselles d'Avignon

Sus preocupaciones primordiales –el volumen y la estructura- le orientaron hacia lo que un crítico llamó “cubismo”, y que puede aplicarse sobre todo a los paisajes de Horta de Sant Joan (1908-1909). Picasso prosiguió su obra, del cubismo analítico al cubismo sintético, y de este llegó, siguiendo a Braque, al período de los papeles pintados (1912).

En 1917, su viaje a Roma le inclina hacia un clasicismo que caracteriza varias de sus telas de 1918-1920. En 1926 se establecieron las primeras relaciones de Picasso con los surrealistas. En 1928 y 1929, Picasso realizó las asombrosas escenas de playa de Dinard y de Jean-les-Pins, produciendo una pintura expresionista que Breton llamó “convulsiva” y que inquieta por su agresiva identificación de la mujer con símbolos sexuales. La obra de Picasso se desarrolló siempre de forma paralela a su vida sentimental.

Tras un viaje a España en 1934, pintó una serie de cuadros cuyos temas son: las corridas de toros; las peleas de gallos; los espectáculos populares; cuanto hay de exaltado, violento y heroico en el pueblo español, llegando al paroxismo con el Guernica (1937). Este óleo, en blanco y negro, pintado para el pabellón español de la Exposición de París (1937), representa las consecuencias del bombardeo franquista de la villa de Guernica durante la Guerra Civil Española; los estudios y las obras que gravitan alrededor de este cuadro son numerosos (La mujer que llora). Hacia los años cincuenta inició Picasso la serie de sus ejercicios de estilo, a partir de las Mujeres de Argel de Delacroix (1954-1955), Las meninas de Velázquez (1958-1959), el Almuerzo campestre de Manet (1961)… Después de residir en diversos lugares del sur de Francia, se instaló en Mougins, desde donde prosiguió incansablemente su obra pictórica. Hizo también escultura y cerámica. Es la figura más representativa e influyente del arte contemporáneo.

Guernica-Picasso

Juan Gris (Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, 1927)

Constituye junto con Picasso y con Braque la tríada de los grandes maestros del cubismo. En 1906 se trasladó a París y en 1910 comenzó a pintar según los postulados del cubismo analítico, en el que destacó por sus retratos; usó la técnica del papel pegado y desarrolló una gran riqueza plástica sobre esquemas abstractos compuestos con todo rigor (La guitarra). En 1912 expuso su Homenaje a Picasso; en 1919, con la serie Pierrots, inició la fase del cubismo sintético. Su obra es la más rigurosa y coherente del cubismo y una de las más notables del siglo (Clarinete y guitarra, Naturaleza muerta en una silla, Botella y frutero).

Clarinete y Guitarra- Juan Gris

Naturaleza muerta en una silla
Juan Gris

Georges Braque (Argenteuil, 1882-París, 1963)

El descubrimiento de Cézanne (1907) puso a Georges Braques en la senda del cubismo. En este período introdujo en la pintura algunas técnicas nuevas, tendentes a subrayar la absoluta libertad del artista en el uso de los medios expresivos. Tras la Primera Guerra Mundial, la temática de su pintura se enriqueció con nuevos temas; a sus naturalezas muertas se agregaron la serie de las Pequeñas chimeneas (1919-1927) y la de las Canéforas, inspirada en el mundo clásico. Después de 1940, predominaron nuevos motivos, que confluyeron en la admirable serie de obras del período de Los talleres (1948-1955), al que siguió el de Los pájaros (1955-1963).

Canéforas-Georges Braque

Los pájaros- Georges Braque

La pintura de Braque ha tenido una importancia fundamental en la historia del arte contemporáneo, pues ha contribuido de forma decisiva a formular la nueva problemática de la representación del objeto en el espacio y ha abierto el camino al nacimiento del arte abstracto.

El cubismo analítico

En su primera fase, denominada cubismo analítico (1910-1912) y representada por Picasso y por Braque, los objetos eran reducidos a sus formas básicas, descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura sobre un mismo plano en composiciones en las que el color era un elemento secundario, reducido a gamas de grises y marrones. La mayoría de los artistas pasan por las dos etapas cubistas, y normalmente evolucionan del cubismo analítico al sintético.

El cubismo sintético

Hacia 1912-1913 se inició el período del cubismo sintético, representado, sobre todo, por Fernan Léger y Juan Gris, quienes abandonaron la descomposición prismáticas, buscaron mostraron de modo simultáneo, la forma de un objeto visto desde perspectivas diferentes, y dieron de nuevo al color una mayor importancia. Una de las aportaciones más interesantes de este período fue la introducción del papier collé, que marcó el inicio de la técnica del collage. La incorporación en el cuadro de papeles de periódico, textos y letras, así como de otros materiales no pictóricos, cuestionó la relación entre la imagen y el objeto, a la vez que convertía el cuadro en una realidad concreta y no sólo en el espacio de una representación.

Basado en los escritos de Bellavista Vilaplana y Muñoz Genovés